什么是波普设计运动？
（Pop Design）一场风格前卫而又面向大众的设计运动,20世纪60年代兴起于英国并波及欧美。波普（名词解释）：一词源于英语的“大众化”（Popular）作为一种艺术形式，于1954年起源于英国，这话“大众化”艺术的思想根源来自于英国的大众文化，代表新达达、新写实主义等流派艺术家所创造的完全生活化、大众化、甚至垃圾化的艺术。它反映了当时西方社会中成长起来的青年一代的文化观、消费观及其反传统的思想意识和审美趣味。它受到美国20世纪50年代大众文化和20世纪60年代波普美术的影响,认为艺术不应仅供少数人享用,而应走向普通大众,进入每一个人的生活。因此要打破艺术与生活的界线,打破一切传统的审美观念。波普设计打破了二战后工业设计局限于现代国际主义风格的过于严肃、冷漠、单一的面貌,代之以诙谐、富于人性和多元化的设计,它是对现代主义设计风格的具有戏谑性的挑战。设计师在室内、日用品、家具、服饰和平面设计等方面的设计上,进行了大胆的探索和创新,表现出前所未有的形式:夸张、奇异、富于想像力的造型;色彩单纯、鲜艳;材料多选用塑料或廉价的纤维板、陶瓷等。其设计挣脱了一切传统束缚,具有鲜明的时代特征。其市场目标是青少年群体,迎合了现代青年的桀骜不羁、玩世不恭的生活态度及其标新求异、用毕即弃的消费心态。波普设计运动的代表人物和作品,在时装界有:英国的玛丽·奎特所设计的迷你裙,在全世界风靡十几年;法国的古亥热的宇宙服,表现出最新科技观念而使当代人惊喜。家具设计有:科兰的廉价、鲜艳、奇异的家具,深受青少年欢迎;穆多什以英文字母为装饰图案的纤维板椅子和罗杰·丁的如玩具般的吹塑椅子,都极受欧洲消费者青睐。在包装、书籍装帧、广告等平面设计上,也都出现了醒目的波普风格。波普设计出现于二十世纪五十年代，又称流行艺术、通俗艺术、新达达主义，代表着流行与大众化的品味。它的鼎盛时期是二十世纪六十年代，主要活动中心在英国和美国。它代表着二十世纪六十年代工业设计追求形式上的异化及娱乐化的表现主义倾向。波普艺术的设计师在现实社会寻求发展，他们把现实生活中最常见的东西搬进艺术——以大众商业文化为基本特色的波普艺术应运而生。波普艺术的手法是利用现成的工业、商业产品。从饮料、化妆品的广告、商标、电影宣传画，到汽车灯、车窗、家用电器，等等，把它们加以改造、加工，然后重新组合和拼贴，赋予一定的社会思想意义，有此构成一件新的艺术作品。由于波普设计主要是面对青年市场，产品必须廉价，因而质量无法表证。波普设计反对现代运动的“少即是多”的主旨，这也导致了二十世纪七十年代的激进设计。它从新艺术、装饰艺术、未来主义、超现实主义、光效艺术、幻觉艺术、东方神秘主义、太空主义中汲取营养，并在大众传媒的助长下茁壮成长。
简述“波普”设计运动对当代设计的影响？
波普风格的中心在英国。早在战后初期，伦敦当代艺术学院的一些理论家就开始分析大众文化，这种文化强调消费品的象征意义而不是其形式上和美学上的质量。这些理论家认为，“优良设计”之类的概念太注重自我意识，而应该根据消费者的爱好和趣味进行设计，以适合于流行的象征性要求。对这些理论家而言，消费产品与广告通俗小说及科幻电影一样，都是大众文化的组成部分，因此可以用同样的标准来衡量。他们的文化定义是“生活方式的总和”，并把这一概念应用到了批量生产物品的设计之中。在寻求具有高度象征意义的产品的过程中，他们将目光转向了美国，对20世纪50年代美国商业性设计，特别是汽车设计中体现出来的权利、性别、速度等象征性特征大加推崇。到20世纪60年代初，一些英国企业和设计师开始对公众的需求直接作出反应，生产出了一些与新兴的大众价值观相呼应的消费产品，以探索设计中的象征性与趣味性，并开拓在年
手型沙发轻人中的市场。这些产品专注于形式的表现和纯粹的表面装饰，功能合理的生产一类现代主义的观念被冷落了。波普设计十分强调灵活性与消费性，就是产品的寿命应该是短暂的，以适应多变的社会文化条件，就像此起彼伏不断变化的流行歌曲一样。1964年英国设计师穆多会（PeterMurdoth）设计了一种“用后即弃”的儿童椅，它是用纸板折叠而成的，表面饰以图案，十分新奇。与此同时，纸制的耳环手镯甚至纸制的衣服都风行一时。克拉克（PaulClark）在同一年设计了一系列一时性的波普消费品，包括钟、杯盘、手套及小饰物等。克拉克将英联邦的米字旗图案用到了所有的产品之上，而不管其功能如何。设计的重点是表面图案，并强调暂时感和幽默感。这一系列产品在20世纪60年代中期成了伦敦摇滚乐队的标志，并在一些商店里出售。到20世纪60年代末期，英国波普设计走向了形式主义的极端，如琼斯(AllenJones)在1969年设计了一张桌子，它由一个极为逼真的半裸女塑像跪着背负玻璃桌面。 波普风格在不同国家有不同的形式。如在美国电话公司就采用了美国最流行的米老鼠形象来设计电话机。意大利的波普设计则体现出软雕塑的特点，家具的设计在体型上含糊不清，并通过视觉上与别的物品联想来强调其非功能。如把沙发设计成嘴唇壮，或者作成一只大手。波普基本上是一场自发运动，它没有系统的理论来指导设计，也没有找到一种有效的手段来填平个性与批量生产之间的鸿沟。许多波普设计出自年轻人之手，也只有追求新奇的年轻人乐意一试。但新奇一过，他们也就被抛弃了。这也许正是波普设计的目标之一。波普设计的本质是形式主义的，它违背了工业生产中的经济法则人机工程学原理等工业设计的基本原则，因而昙花一现变销声匿迹了。但是波普设计的影响是广泛的，特别是在利用色彩和表现形式方面为设计领域吹进了一股新鲜空气，由此刺激了这方面的探索。 宗旨:追求新颖、追求古怪、追求希奇，“波普”设计风格的特征变化无常难于确定统一的风格，可以说是形形色色、各种各样的折中主义的特点，它被认为是一个形式主义的设计风格。波普设计的艺术理解与认识
这种以当时最流行的形象为题材的艺术在20世纪中期由罗伊·里奇特斯坦等艺术家首次创造出来，这些人被称做“波普艺术家"。
罗伊．里奇特斯坦是第一位选择20世纪50年代流行于美国的漫画里的形象为创作主题的画家．这个作品的名字是《杰作》．创作于1962年。 人民的艺术 这种取材于流行文化的艺术形式被称做“波普艺术”。 1: “波普艺术”在20世纪50年代中期到60年代末期已开始在美国和英国盛行。波普艺术家们通常选择人人都熟悉的事物作为他们作品的主题。 2: 他们的画作或雕塑作品都是取材于当时人们每天都会见到的东西。如汤罐头、爆米花这些家庭中常见的产品或是纸币、加油站、路标、旗帜等等。 3: 他们选择经常在报纸、杂志、电视和电影上出现的东西作为自己的题材，比如演员、歌手、歹徒、牛仔、甚至还有卡通人物。 波普艺术风格 波普艺术的风格不是统一的。 1：如里奇特斯坦这样的波普艺术家喜欢用平滑的笔触和很多单色块来模仿那些在广告和漫画中常见的艺术风格。 2：而像安迪·沃霍尔则喜欢把电影明星和食品包装上的形象印在画布上。 3:还有一些艺术家。如罗伯特·劳森伯格，则喜欢把粗线条拼凑在一起。 所有波普艺术家都坚信，他们要呈现的是人们生活着的当今社会，而不是过去的社会．． 艺术发展史上的很多时期，都会有一些艺术家以相似的主题、风格或灵感进行创作，被称之为“艺术运动”。波普艺术和印象派就是艺术运动的实例。如果我们回顾历史会发现，把艺术家用这种“运动”来加以区分是很容易的。在那个时期。艺术家们都是独立工作。他们在不同的地方进行艺术创作，不会互相抄袭作品。他们可能并不把自己看做是运动中的一分子。事后我们区分不同的运动是为了了解艺术的发展过程。 新运动 为什么波普艺术在20世纪50年代 得到了发展呢?那时世界上发生了什么事情?我们知道，欧洲的许多国家都在1945年第二次世界大战后期开始着手恢复国家的生产，但是 美国和英国却从20世纪50年代开始就进入了一个新的繁荣期。这种繁荣推动了社会各领域的变革，艺术界的波普运动也由此产生。 20世纪60年代纽约的百老汇，许多波普艺术家都从这里明亮的，诱人的广告以及其他流行的形象中获得过灵感。 后战争时代的变革(方便快捷新颖渐成主流） 到了20世纪50年代中期，美国和英国已经转型为消费社会。工业发展十分迅猛，人口激增，人们也变得越来越富有。与以往相比，他们为自己家人和家庭买的东西更多了。对许多人来说，他们的目标也变得现代和时髦，比如，在20世纪50年代，人们购买更大的汽车、电视、新款式的家具和电动剃须刀。像圆珠笔这种只用几次就被丢掉的一次性产品也第一次被摆上了商店的柜台。 人们也开始购买在战争时期买不到的食品。这种新型食物在食用之前几乎不需要特别加工，比如汉堡包和袋装冷冻食品(电视快餐)。这些产品都可以在变得越来越大的超级市场中买到，而在私人开的商店里却很难买到。 商用艺术的兴起 因为人们的购买力越来越大，商家开始为卖出更多的产品而彼此竞争。他们需要有绘画技巧的人创造出商业艺术。这种艺术包括对产品的设计和能诱惑顾客购买商品的广告。广告业并不是新兴事物，但是在战后，商家都试图获取更高的营业额，商标名称和容易识别的广告形象变得比以往任何时候都重要。许多商品都在超市里被码放在一起；广告不仅出现在广告牌和招贴板上，而且出现在五颜六色的杂志中和电视屏幕上。 在20世纪50年代之前，广告业和设计业的艺术工作者通常要从在艺术学校学习传统艺术课程开始，这些课程包括在过去的艺术大师的画作中学习油画的绘画技巧。在20世纪50年代，一种不用学习传统艺术课程的新型艺术学校成立了，这种学校是专为培养平面设计师而开设的。学生们在这里为日后能从事与商业艺术相关的职业作准备。 便捷成主流 在20世纪50年代的新型消费社会中，人们想拥有一种便捷的生活方式。从超级市场里堆放的各种各样的商品．到直接从冰柜里拿出的冷冻速食晚餐，都暗示出人们对“便捷”的渴望。商业艺术家需要为这些产品设计广告和包装。 在20世纪50年代，广告商都急于想出精炼、响亮的广告语，这些广告语与产品图像结合起来可以使消费者更容易记住他们的产品。这段时期的著名广告语有： 她用了?她没用?(伊卡璐发胶．1957年) 滴滴香浓。意犹未尽。(麦斯威尔咖啡，1959年) 只溶在口，不溶在手。(M&Ms巧克力，1954年) 下面这幅墙上的画作看上去就像是一张被放大了很多倍的漫画的一部分。画中人物的面孔是由很多小圆点组成的，就像你通过放大镜来观察报纸上登载的漫画一样。但实际上这并不是一部漫画中的一幅图，而是美国艺术家罗伊·里奇特斯坦1962年创作的一幅画作。这幅漫画风格的作品模仿了人们生活中常见的漫画书中或是报纸上流行的图像。这种以当时最流行的形象为题材的艺术在20世纪中期由罗伊·里奇特斯坦等艺术家首次创造出来，这些人被称做“波普艺术家"。 罗伊．里奇特斯坦是第一位选择20世纪50年代流行于美国的漫画里的形象为创作主题的画家．这个作品的名字是《杰作》．创作于1962年。 人民的艺术 这种取材于流行文化的艺术形式被称做“波普艺术”。 1: “波普艺术”在20世纪50年代中期到60年代末期已开始在美国和英国盛行。波普艺术家们通常选择人人都熟悉的事物作为他们作品的主题。 2: 他们的画作或雕塑作品都是取材于当时人们每天都会见到的东西。如汤罐头、爆米花这些家庭中常见的产品或是纸币、加油站、路标、旗帜等等。 3: 他们选择经常在报纸、杂志、电视和电影上出现的东西作为自己的题材，比如演员、歌手、歹徒、牛仔、甚至还有卡通人物。 波普艺术风格 波普艺术的风格不是统一的。 1：如里奇特斯坦这样的波普艺术家喜欢用平滑的笔触和很多单色块来模仿那些在广告和漫画中常见的艺术风格。 2：而像安迪·沃霍尔则喜欢把电影明星和食品包装上的形象印在画布上。 3:还有一些艺术家。如罗伯特·劳森伯格，则喜欢把粗线条拼凑在一起。 所有波普艺术家都坚信，他们要呈现的是人们生活着的当今社会，而不是过去的社会．． 艺术发展史上的很多时期，都会有一些艺术家以相似的主题、风格或灵感进行创作，被称之为“艺术运动”。波普艺术和印象派就是艺术运动的实例。如果我们回顾历史会发现，把艺术家用这种“运动”来加以区分是很容易的。在那个时期。艺术家们都是独立工作。他们在不同的地方进行艺术创作，不会互相抄袭作品。他们可能并不把自己看做是运动中的一分子。事后我们区分不同的运动是为了了解艺术的发展过程。 新运动 为什么波普艺术在20世纪50年代 得到了发展呢?那时世界上发生了什么事情?我们知道，欧洲的许多国家都在1945年第二次世界大战后期开始着手恢复国家的生产，但是 美国和英国却从20世纪50年代开始就进入了一个新的繁荣期。这种繁荣推动了社会各领域的变革，艺术界的波普运动也由此产生。 20世纪60年代纽约的百老汇，许多波普艺术家都从这里明亮的，诱人的广告以及其他流行的形象中获得过灵感。 后战争时代的变革(方便快捷新颖渐成主流） 到了20世纪50年代中期，美国和英国已经转型为消费社会。工业发展十分迅猛，人口激增，人们也变得越来越富有。与以往相比，他们为自己家人和家庭买的东西更多了。对许多人来说，他们的目标也变得现代和时髦，比如，在20世纪50年代，人们购买更大的汽车、电视、新款式的家具和电动剃须刀。像圆珠笔这种只用几次就被丢掉的一次性产品也第一次被摆上了商店的柜台。 人们也开始购买在战争时期买不到的食品。这种新型食物在食用之前几乎不需要特别加工，比如汉堡包和袋装冷冻食品(电视快餐)。这些产品都可以在变得越来越大的超级市场中买到，而在私人开的商店里却很难买到。 商用艺术的兴起 因为人们的购买力越来越大，商家开始为卖出更多的产品而彼此竞争。他们需要有绘画技巧的人创造出商业艺术。这种艺术包括对产品的设计和能诱惑顾客购买商品的广告。广告业并不是新兴事物，但是在战后，商家都试图获取更高的营业额，商标名称和容易识别的广告形象变得比以往任何时候都重要。许多商品都在超市里被码放在一起；广告不仅出现在广告牌和招贴板上，而且出现在五颜六色的杂志中和电视屏幕上。 在20世纪50年代之前，广告业和设计业的艺术工作者通常要从在艺术学校学习传统艺术课程开始，这些课程包括在过去的艺术大师的画作中学习油画的绘画技巧。在20世纪50年代，一种不用学习传统艺术课程的新型艺术学校成立了，这种学校是专为培养平面设计师而开设的。学生们在这里为日后能从事与商业艺术相关的职业作准备。 便捷成主流 在20世纪50年代的新型消费社会中，人们想拥有一种便捷的生活方式。从超级市场里堆放的各种各样的商品．到直接从冰柜里拿出的冷冻速食晚餐，都暗示出人们对“便捷”的渴望。商业艺术家需要为这些产品设计广告和包装。 在20世纪50年代，广告商都急于想出精炼、响亮的广告语，这些广告语与产品图像结合起来可以使消费者更容易记住他们的产品。这段时期的著名广告语有： 她用了?她没用?(伊卡璐发胶．1957年) 滴滴香浓。意犹未尽。(麦斯威尔咖啡，1959年) 只溶在口，不溶在手。(M&Ms巧克力，1954年) 美国波普艺术之前的艺术 从大约l942年到20世纪50年代，在波普艺术初始前后，美国主要的艺术运动是抽象表现主义。 抽象表现主义 1：有些抽象表现主义的艺术家，如马克·罗斯科，用几种丰富的深颜色浸满整块画布。 2：而杰克逊·波洛克等其他艺术家开创了“行为艺术”，他们把颜料滴、泼或涂抹在画布上。 3：这种作品是抽象的，因为它没有描绘出明显的、现实的主题。它是表现主义的， 4：因为艺术家想要表达的是一种深层次的情感。 1941年l2月，美国海军基地珍珠港遭到偷袭，美国军队正式参与第二次世界大战，随即抽象表现主义运动也开始发展起来。这是许多美国人第一次窥见欧洲大陆上战争的恐怖，因此一些艺术家认为 现实主义的艺术形式不能很好地表达出他们迷乱的心绪。 迷乱 迷 迷乱乱 迷乱 抽象表现主义是20世纪40年代一种新的艺术运 动。以杰克逊·波洛克为代表的艺术家。创造了一种有表现力的图像，用以表达他们对身边不断变化的世界的一种信仰。 反传统艺术的诞生 有些美国艺术家认为抽象表现主义太难于理解，于是开始在另外的艺术道路上寻求发展。比如艾伦·卡普洛和罗伯特．劳森伯格就认为比起一件已经完成的绘画或者雕塑作品，在艺术创作的过程中发生的事情更加令人兴奋。 艺术创作的过程比结果更重要 艺术创作的过程比结果更重要 艺术创作的过程比结果更重要 在20世纪50年代末，卡普洛组织了“偶发艺术”运动， 1:在这种艺术形式里观众可以参与创作。 2:在一些偶发艺术中，从椅子、食品到烟和旧袜子，艺术家可以用任何东西创作出艺术品。 艺术家可以用任何东西创作出艺术品 3:而在另一些偶发艺术中，艺术家只描绘常见的场景，比如在街上购物或是扫大街。 反传统艺术的关键点在于观众可以在一个特定的时间和地点对偶发艺术作出反应。 4:一些其他曲艺术家，比如雷德·葛鲁姆的偶发艺术就像是奇怪的戏剧。观众成员有剧本，这些剧本可以指导他们在这个作品中应该干些什么。 偶发艺术被称做“新达达主义 偶发艺术经常出现在画廊里，但在街道上、停车场里和其他不可思议的地方也会发生。这种反传统艺术的运动有时被称做“新达达主义”，因为这些艺术家的信仰和20世纪20年代达达主义艺术家的信仰十分相似。 那么什么是达达主义呢 下面是达达主义的链接 http://blog.sina.com.cn/s/blog_6f95e98f0100pacj.html 重新定义英国文化 l951年5月，英国节开始了。此时第二次世界大战刚刚结束，英国的许多城市依然还是百废待兴。英国节的设立强调了英国人的自我身份及其工业的发展，它给予了民众一种国家正在复兴的信念，增强了民族的自豪感。英国各地都举办展览，科学发明的展品炫耀着英国所取得的成就。最主要的展览集中在伦敦南岸新建的艺术中心里 但是这时人们 需要一个真正的代表未来的东西 于是 因为下面的原因 波普艺术诞生了 与此同时，许多年轻人都希望重新定义英国文化，这种文化能反映出现代社会中人们的兴趣和生活方式。 1：年轻的英国艺术家，如彼特.布莱克和理查德·汉密尔顿认为流行的形象，如新车的设计图、模特的照片、科幻漫画上的图片和电影场景对大多数普通人来说都比博物馆里和画廊里的传统艺术更有意义。 2：汉密尔顿曾说：波普艺术是通俗的、廉价的、能大批量生产的、年轻的、聪慧的、性感的、好玩的、迷人的，同时也是一个大生意。” 向西看美国对欧洲产生重大影响 在第二次世界大战期间，美国对欧洲文化的影响越来越大，随着美国在战后成为一个超级大国，这种影响也不断延伸到更多的地方。与美国军队的接触和美国杂志、报纸的影响，使得越来越多的欧洲人对美国的影星和摇滚、蓝调等音乐形式产生了兴趣。 在欧洲人眼中，美国被视为是一个无阶级的社会，在这里任何人都可以通过他们自己的技巧和才能取得成功。这与只有出生在富裕家庭并认识有权势的人才能成功的传统欧洲社会正好相反。 英国艺术家开始对美国的文化感兴趣。汉密尔顿和爱德华多·保洛齐等艺术家组成了“独立小组”，他们从1952年开始在伦敦的新当代艺术中心定期会面。在这里这些艺术家互相展示美国杂志上色彩斑斓的图像，他们也组织展览展出用这些图像制作的拼贴画。 第一件波普艺术作品是什么? 许多人都认为第一件波普艺术作品是理查德·汉密尔顿1956年的一部拼贴画。它表现了一个“现代"的室内场景。这部作品的名字是《是什么使今日的家庭如此不同、如此吸引人?》。 大约在20世纪50年代中期“独立小组"在伦敦的一次会议上，艺术家们开始正式采用“波普"这个 词。艺术评论家劳伦斯·阿洛威在1958年的一篇文章中提出了“大众流行艺术’这个概念。虽然他指的是包括从电影到建筑学所有的艺术形式。而不是单指绘画艺术，但是“波普艺术"这个概念开始作为 艺术领域的一次独特的运动被接受并保留了下来。 美国波普艺术大爆炸 在美国，流行商业艺术比英国更早地出现在广告牌以及杂志、漫画和报纸上。20世纪初期艺术家的作品中就出现了商业艺术的形象。比如，在20世纪20年代斯图尔特·戴维斯画了一幅漱口水瓶子的静物画。但是在20世纪50年代，美国艺术家开始对作为消费主义和工业发展的符号出现的流行图像的意义和重要性产生了兴趣。为了使这些符号更加明显，艺术家们喜欢用现实的艺术手法表现它们，而不是用艺术性很强的手法来表现。 罗伯特·劳森伯格和贾斯伯·琼斯常被认为是美国最早的波普艺术家。琼斯有一件以箭术中的靶子为象征的作品。那些在商业艺术上更有经验的艺术家从新达达主义和偶发艺术中获取灵感。这些艺术家，如安迪·沃霍尔、罗伊·里奇特斯坦和克拉斯·奥顿伯格尝试在他们的作品中包含一些流行的物品。成了波普艺术运动的核心。 一切皆美--所有存在的东西都可以是艺术品,只是呈现和表达的方式不同而已 http://blog.sina.com.cn/s/blog_6f95e98f0100p2db.html什么是波谱服装风格
又称流行风格，这个词（pop)来自英语的“大众化”，最早起源于英国。二战以后出生的新生一代对于风格单调、冷漠缺乏人情味的现代主义、国际主义设计十分反感，认为是陈旧的、过时的观念的体现，他们希望有新的设计风格来体现新的消费观念、新的文化认同立场、新的自我表现中心，于是在英国青年设计家中出现了波普设计运动。
波普运动产生的思想动机来源自美国的大众文化，包括好莱坞电影、摇滚乐、消费文化等。英国的“波普”运动由于受艺术创作上的“波普”运动很快发展起来。 波普风格主要体现在于年青人有关的生活用品等方面，如古怪家具、迷你裙、流行音乐会等，追求大众化、通俗化的趣味，设计中强调新奇与独特，采用强烈的色彩处理。这些设计都具有游戏色彩，有一种玩世不恭的青少年心理特点，好似流行歌曲一样，以其灵活性与可消费性走出英国国门，进而形成为一场世界性的设计运动。 “波普”设计运动时一个形式主义的设计风潮，由于违背了工业生产的经济法则、人体工学原理等，很快就衰退了，但是它在形式上的探索还是有积极意义的。 波谱风格代表20世纪60年代工业设计追求形式上的异化及娱乐化的表现主义倾向“波普”是一场广泛的艺术运动，反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力图表现自我，追求标新立异的心理。 从设计上说波普风格并不是一种单纯的、一致性的风格，而是各种风格的混合，他追求大众化下的、通俗的趣味，反对现代主义自命不凡的清高，在设计中强调新奇与独特，并大胆采用艳俗的色彩。 宗旨:追求新颖、追求古怪、追求希奇，“波谱”设计风格的特征变化无常难于确定统一的风格，可以说是形形色色、各种各样的折中主义的特点，它被认为是一个形式主义的设计风格。波普设计运动概况、特点及名家
概况：
波普一词源于英语的“大众化”（Popular）作为一种艺术形式，于1954年起源于英国，这话“大众化”艺术的思想根源来自于英国的大众文化，代表新达达、新写实主义等流派艺术家所创造的完全生活化、大众化、甚至垃圾化的艺术。 它反映了当时西方社会中成长起来的青年一代的文化观、消费观及其反传统的思想意识和审美趣味。它受到美国20世纪50年代大众文化和20世纪60年代波普美术的影响,认为艺术不应仅供少数人享用,而应走向普通大众,进入每一个人的生活。因此要打破艺术与生活的界线,打破一切传统的审美观念。特点：波普设计打破了二战后工业设计局限于现代国际主义风格的过于严肃、冷漠、单一的面貌,代之以诙谐、富于人性和多元化的设计,它是对现代主义设计风格的具有戏谑性的挑战。设计师在室内、日用品、家具、服饰和平面设计等方面的设计上,进行了大胆的探索和创新,表现出前所未有的形式:夸张、奇异、富于想像力的造型;色彩单纯、鲜艳;材料多选用塑料或廉价的纤维板、陶瓷等。其设计挣脱了一切传统束缚,具有鲜明的时代特征。其市场目标是青少年群体,迎合了现代青年的桀骜不羁、玩世不恭的生活态度及其标新求异、用毕即弃的消费心态。 波普设计出现于二十世纪五十年代，又称流行艺术、通俗艺术、新达达主义，代表着流行与大众化的品味。它的鼎盛时期是二十世纪六十年代，主要活动中心在英国和美国。它代表着二十世纪六十年代工业设计追求形式上的异化及娱乐化的表现主义倾向。波普艺术的设计师在现实社会寻求发展，他们把现实生活中最常见的东西搬进艺术——以大众商业文化为基本特色的波普艺术应运而生。 波普艺术的手法是利用现成的工业、商业产品。从饮料、化妆品的广告、商标、电影宣传画，到汽车灯、车窗、家用电器，等等，把它们加以改造、加工，然后重新组合和拼贴，赋予一定的社会思想意义，有此构成一件新的艺术作品。 由于波普设计主要是面对青年市场，产品必须廉价，因而质量无法表证。波普设计反对现代运动的“少即是多”的主旨，这也导致了二十世纪七十年代的激进设计。它从新艺术、装饰艺术、未来主义、超现实主义、光效艺术、幻觉艺术、东方神秘主义、太空主义中汲取营养，并在大众传媒的助长下茁壮成长。波普设计的影响深远，也为后现代主义的发展奠定了基础。名家及作品：波普设计运动的代表人物和作品,在时装界有:英国的玛丽·奎特所设计的迷你裙,在全世界风靡十几年;法国的古亥热的宇宙服,表现出最新科技观念而使当代人惊喜。家具设计有:科兰的廉价、鲜艳、奇异的家具,深受青少年欢迎;穆多什以英文字母为装饰图案的纤维板椅子和罗杰·丁的如玩具般的吹塑椅子,都极受欧洲消费者青睐。在包装、书籍装帧、广告等平面设计上,也都出现了醒目的波普风格。参考资料： 百度百科
合肥波普运动用品有限公司怎么样？
合肥波普运动用品有限公司是2014-08-26在安徽省合肥市注册成立的有限责任公司(自然人投资或控股)，注册地址位于合肥市高新区信息产业基地桑夏1幢综合楼317室。
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从“波普”到“后波普”，50年代到70年代的“反传统”浪潮对于西方社会产生了什么巨大影响？
从“波普”到“后波普”，50年代到70年代的“反传统”浪潮对于西方社会产生了巨大的影响。具有极大破坏力的“嬉皮士”和“朋克”，导致西方社会审美观念和消费观念发生重大的变化。尽管当年的“垮掉了的一代”如今都进入中年，许多人已经由反叛社会主流转向对于主流社会的认同，成为循规蹈矩的“社会中坚”，但是在西方社会留下的深刻痕迹却是无法磨灭的。“波普”不仅是一股强大的艺术潮流和设计潮流，更是一股强大的文化潮流。从某种意义上来说，正是“波普”导致了“后现代主义”的产生。在今天的西方社会，“女权运动”和“绿色环境保护运动”已经成为长盛不衰的社会抗议运动。人们强调“个性”和“人权”，越来越喜欢穿着简单随意的服装，越来越喜欢具有人情味的建筑物，向往的是回归自然的生活方式。摇滚乐队的音乐家依然穿着奇装异服，“嬉皮士”服装和“朋克”装导致了服装的中性化，而妇女服装男性化也正是“女权运动”和“性解放运动”的产物。轻松自如、任意随便的工作服、运动服、牛仔服流行，宽袍大袖的东方的服饰、日本的服饰流行……异域的装饰艺术使西方人发生极大的兴趣。高度科学技术化、高度物质化和消费化的西方社会产生“波普”和“后波普”的设计、“波普”和“后波普”的艺术和“波普”和“后波普”的文化，反过来“波普”和“后波普”又促使了西方现代社会发展和转变。以往那种将“波普”和“后波普”、“嬉皮士”和“朋克”简单地看成“资本主义社会腐朽、没落的产物”，至少是不全面、不准确的，我们还需要对于“波普”和“后波普”的设计、艺术和文化进行深入的研究。
名词解释：野兽派、表现派、立体派、未来派、达达派、超现实主义派、抽象派美术、波普艺术、新达达派。
野兽派 ：
野兽派也叫野兽主义(Fauvism)是自1898至1908年在法国盛行一时的一个现代绘画潮流。它虽然没有明确的理论和纲领，但却是一定数量的画家在一段时期里聚合起来积极活动的结果，因而也可以被视为一个画派。野兽派画家热衷于运用鲜艳、浓重的色彩，往往用直接从颜料管中挤出的颜料，以直率、粗放的笔法，创造强烈的画面效果，充分显示出追求情感表达的表现主义倾向。 表现派： 表现派是二十世纪初叶兴起于德国的艺术运动。18世纪法国启蒙主义哲学家D·狄德罗在《关于演员的是非谈》 表现派 一文中，谈到演员表演时，主张刻苦钻研人物性格，创造“理想典范”，在每次公演时，演员应准确地像一面镜子那样把这典范形象真实地重现在舞台上。他反对演员只凭天赋和敏感，主张冷静和判断力，依靠对四周物质世界与精神世界的现象进行勤勉的观察，并用心模仿自然。19世纪法国演员哥格兰继承并发展了狄德罗的观点，在《演员的双重人格》一文中提出了“两个自我”论，认为第一自我的演员始终冷静地随心所欲地控制着自己的创造物第二自我，不论角色应如何激动，演员“在竭尽全力、异常逼真地表现情感的同时，应当始终保持冷静，不为所动”，不能让角色“拐跑”。他认为第一自我是扮演者，是灵魂；第二自我是工具，是声音和肉体。因此他主张演员要把工具锻炼得像雕塑家手里的一堆柔软的粘土，可以让扮演者随心所欲地捏成各种形状。他非常强调演员创造人物性格，要求演员钻研剧本，理解角色，不仅外形相似，还要像角色那样“走路、谈话、倾听”，用属于角色的“那种脑筋来思想”。他的名言是“艺术不是‘合一’，而是‘表现’！”因而被称为表现派。 立体派： 立体派是西方现代艺术史上的一个运动和流派。又译为立方主义,1908年始于法国。这个名称的出现含有偶然性。1908年,G.布拉克在卡恩韦勒画廊展出作品,马蒂斯批评勃拉克的画是在描绘立方体.评论家L.活塞列斯在《吉尔.布拉斯》杂志上引用此话评论说:”布拉克先生将每件事物都还原了……成为立方体”,这种画风因此得名。 未来派： 未来派(Futurism)，是由意大利诗人菲利波·托马索·马里奈缔（Filippo Tomasso Marinetti)作为一个运动而提出和组织的。他在1909年整个一年中，向全世界发表了一个宣言，这个宣言以浮夸的文辞宣告过去艺术（过去派）的终点和未来艺术（未来派）的诞生。未来派的理论反映了一群意大利的年轻美术家要求创新的意图。他们不满足意大利文艺在19世纪停滞不前、落后于欧洲其他国家的状况，希望本民族的文艺跟上前进的步伐。他们的艺术追求，也确实受到工业和科技革命鼓舞的一面。但是，未来主义又是在意大利民族主义情绪高涨的情况下出现的，它既多少反映了意大利民族自我觉醒和自我奋起的精神，又反映了这个民族在历史转折时期傍徨、不稳定、虚无和偏激的弱点。 达达派： 达达主义艺术运动是1916年至1923年间出现于法国、德国和瑞士的一种艺术流派。达达主义是一种无政府主义的艺术运动，它试图通过废除传统的文化和美学形式发现真正的现实。达达主义由一群年轻的艺术家和反战人士领导，他们通过反美学的作品和抗议活动表达了他们对资产阶级价值观和第一次世界大战的绝望。关于“达达”一词的由来，历来众说纷纭。有些人认为这是一个没有实际意义的词，有一些人则认为它来自罗马尼亚艺术家查拉和詹可频繁使用的口头语“da, da”，在罗马尼亚语中意为“是的，是的”。最流行的一种说法是，1916年，一群艺术家在苏黎世集会，准备为他们的组织取个名字。他们随便翻开一本法德词典，任意选择了一个词，就是“dada”。在法语中，“达达”一词意为儿童玩耍用的摇木马。 因此，这场运动就被命名为“达达主义”，以昭显其随意性，而非一场一般意义上的“文艺运动”。 超现实主义派： 超现实主义是指人们在室内设计中追求并体现超现实的艺术再现。通过调动所有的设计手段，力求在有限的设计空间中创造出所谓的“无限空间”，体现出设计师在现实与理想的矛盾冲突中，渴望虚幻空间成为寄托自身困惑的载体。在超现实主义的室内空间中，注重奇特的造型、浓重的色彩和变幻莫测的灯光效果，突出其流动的线条以及抽象的装饰图案的艺术效果。 抽象派美术： 抽象表现主义(Abstract Expressionism)，即抽象艺术、抽象表现派、抽象主义、抽象派，又称纽约画派(The New York School)或行动画派(Action Painting)，一般被了解为一种非直接描绘自然世界的艺术，反而透过形状和颜色以主观方式来表达。是二次大战前的艺术运动，受超现实主义及继承苏俄构成主义的影响。20世纪初期，抽象艺术主要是指表达自然世界的艺术，譬如立体主义和未来派艺术。虽然夺取某事它不变的内在质量而不是由仿效它的外在表现。抽象派被定义为没有比喻现实参考的艺术。更广阔的定义是以简化但又可以保留原始自然的方式来描述真实题材。Joan Miro的抽象画是这个更宽的定义一个好例子。 波普艺术： 波普艺术是流行艺术（popular art)的简称，又称新写实主义，因为波普艺术（Pop Art）的POP通常被视为“流行的、时髦的”一词（popular）的缩写。它代表着一种流行文化。 在美国现代文明的影响下而产生的一种国际性艺术运动，多以社会上流的形象或戏剧中的偶然事件作为表现内容。它反映了战后成长起来的青年一代的社会与文化价值观，力求表现自我，追求标新立异的心理。 新达达派： 新达达(New Dada)，现代艺术流派。新达达追求的目标是在日常生活的意外现象或状况与人们因此产生的直接反应之间，做一个批判性的分析。凡能表现艺术家思想的一切材料、环境和行为，画家都可以拿来使用。因此，新达达与大众写实主义、新写实主义等都不存在明显的界限。 具有不同面目的新达达，可说都渊于杜尚的观念。新达达的萌芽可追溯到50年代。到1960一1977年间成为西方各国美术家共同的实验领域。达达艺术可以说是对日常物体做物理性的探讨，而新达达除继承其手法以外，则对于幻想与现实之间的关系，做进一步的精神分析和哲学性的探讨。杜尚1962年在一封信里写道：“新达达也就是有些人所说的新写实主义、波普艺术、集合艺术等，是达达的余灰复燃而成的。我使用现成品是想侮辱传统的美学，可是新达达却干脆接纳现成品，并发现其中之美。”达达是以怀疑和破坏起家的，并没有建设性的艺术创造，而新达达则想用能表达艺术家思想的视、听、味、嗅、行为等作为媒介来创造新的艺术，这是他们之间的主要区别。